Nota introductoria

Nota introductoria

Adolfo Cantú

La grafica es una de las disciplinasen el arte  mas extraordinarias 

Las diferentes escuelas han hecho lo propio y por supuesto la Escuela Mexicana es poseedora de un renombre internacional donde podemos incluir a grandes maestros 

Por razones varias de alguna manera la grafica ha permitido que grandes colecciones trasciendan a manera de testimonio de toda una época , por nuestra parte a lo largo de mas de tres décadas vamos atesorando un gran acerbo de obra grafica que constantemente incluimos a curadurías de diferente temática, hoy no es la excepción y nos sumamos a la ultima exposición de grafica que tendrá la presente administración del salón de la Plástica Mexicana sin embargo nuestra ruta siempre tiene diferentes dinámicas y ya preparamos nuevas curadurías para el próximo 2019 yen hora buena por la difusión de nuestro rico legado de arte.

 

Decía Federico Cantú:

Aprendí la técnica del grabado en Paris observando como trabajaban los orfebres grabando los relojes de bolsillo con monogramas y motivos de ornamento

En 1934 y con el surgimiento de la galería de Inés Amor  La GAM una de las primeras exposiciones fue dedicada a la grafica de la época , la exposición incluía obra de Diego Rivera , José Clemente Orozco , David Alfaro Siqueiros, Francisco Díaz de León , Rufino Tamayo y Federico Cantú

En 1938 Federico instala su Atelier en Nueva York y de nuevo( despues de su estancia en Paris 1924-1934)  la Segunda gran Guarra lo hace regresar a la Patria no sin antes hacerse de recursos para construir un Atelier que pueda incluir un lugar de trabajo para Escultura , Pintura , obra Mural y grabado

El tórculo llego a formar parte del Atelier en esa época , se trataba de una excelente maquina del siglo XIX que venia de Leipzig Alemania y que aun hoy despues de dos siglos sigue funcionando de maravilla

Por mi parte llevo una década divirtiéndome de lo lindo con esta extraordinaria maquinaria que solo he dejado de ocupar cuando la presente en prestamos para la Expo de grafía del Philadelphia Museum y la ultima gran retrospectiva de José Guadalupe Posada

En esta maquina histórica se ha impreso gran parte de las obras maestras de la Escuela Mexicana

Solo me resta seguirla disfrutando

Salud.

Bo

La dinámica generada despues del triunfo de la Escuela Mexicana 

Nos obliga ha tratar de aterrizar de una manera formal el conocimiento 

 de nuestro arte , este patrimonio de obra mural, obra de caballete, escultura y grafica  que acumulamos durante la época colonial y que consecuentemente nos lleva a los cambios vividos durante el siglo XIX dentro de un serie de eventos que por supuesto vemos reflejados sin duda en la pintura , escultura y grabado , sin embargo el siglo XX trasformara  estas ideas y conceptos narrativos empatándose con la época revolucionaria  donde los nuevos paradigmas estéticos dibujaran otra realidad

mismos eventos que darán vida a la llamada Escuela Mexicana o Renacimiento del Arte Mexicano. 

Este renacimiento servirá de crisol para amalgamar diferentes creencias estéticas  que darán paso a un centenar de obras monumentales y de caballete surgidas del pincel y cincel de grandes maestros que con el tiempo se convertirán en el toque de piedra de nuevas generaciones de artistas plásticos.

Fueron mas que un centenar de artistas los que se dieran cita desde el primera minuto del siglo XX y que con el tiempo apenas un puñado de ellos lograrían la trascendencia al grado que se presume que Jalisco fue uno de los territorios privilegiados con el mayor numero de pintores y escultores  donde incluimos a José Clemente Orozco , Juan Soriano , Carlos Orozco Romero…….

La Ciudad de México con Goitia,  Frida Kahlo , Luis Ortiz Monasterio,  Nuevo León con Alfredo Ramos Martínez y Federico Cantú , Guanajuato con Diego Rivera…….

Con el tiempo el valor estético e histórico generaría un mercado del arte que requeriría un nuevo orden  mismo que incuria el surgimiento de Nuevos Museos , Salas de Arte y Galerías de Arte. 

De lo real a lo imaginario La Estampa

De lo real a lo imaginario

La Estampa

La tradición Grafica de la Secuela Mexicana es sin duda muestra de la versatilidad, ingenio y narrativa de toda una época del Arte  Nacional, son en su riqueza los temas que conllevan pasajes imaginarios que a manera de narrativa cada uno de los maestros fueron conjugando en una suerte de fotografía histórica misma que muestra el paisaje fauna y flora , la tradición, la historia y la biografía que representa la labor creativa de toda una generación que amalgama la Escuela Mexicana

Para la colección de Arte Cantú Y de Teresa es un honor poder compartir en esta nueva  exposición de salón de la Plástica Mexicana , parte de su acerbo mismo que cada años suma nuevas obras que sin duda son parte de nuestra identidad.

En esta ocasión escogimos abrir un paréntesis en la obra grafica de Federico Cantú y agregamos algunos de sus contemporáneos , Alfredo Zalce y Leopoldo Méndez como vinculo obligatorio en el legado de el TGP,

Por otro lado dimos por primera vez una paso al presentar a el Chamaco Covarrubias , también hicimos lo propio con la obra grafica de Frida Kahlo .Sin embargo damos un preponderante lugar a Gabriel Fernández Ledesma con su grafica dedicada a la fauna nacional .

Cabe señalar que dejamos libre el paso a otras colecciones para que hagan lo propio con la obra de Sarah Jiménez y Aurora Reyes  

Textos Adolfo Cantú

Colección Cantú Y de Teresa

FCG Copyright ©

La expo

Algunas Reflexiones en torno a La Escuela al Aire Libre

La Escuela al Aire Libre Fue un proyecto de catedra surgido durante los movimientos armados denominados “Revolucion Méxicana” este metodo fue tomando como idea de la Escuela de Barbison en Francia , muy socorrida por el movimiento impresionista y por sus seguidores. Personajes como Roberto Montenegro , Alfredo Ramos Martinez y el Docotr Atl , fueron punta de lanza para la creacion de este nuevo tipo de academia en Mexico.Recordemos que fue en1911. cuando la Academia de San Carlos entró en una huelga encabezada por los estudiantes de pintura, escultura y grabado quienes clamaban por la renovación de los cánones artísticos de aprendizaje y los artistas mexicanos que volvían de Europa como Alfredo Ramos Martinez , Roberto Montenegro y el Dr. Atl propiciaron un cambio que llevaria a esta academia a formar la primera escuela al aire libre .

                  Como resultado a esta petición  el entonces director, Arquitecto Antonio Rivas Mercado, se vio obligado a renunciar en 1912 y, en 1913, fue sustituido por el pintor Alfredo Ramos Martínez, quien promovía una concepción pedagógica 

Actual .                  Su nombramiento se dio a conocer y fue apoyado por el gobierno golpista de Victoriano Huerta .

La edificacion de dichas Escuelas  no hubiera sido posible sin la estructura de trasporte electrico edificado durante el Porfiriato  es decier gracias a esta red uno podria vivir en el centro de la ciudad y llegar a un publo aledaño como Tlalpan , Coyoacan, san Angel  o Xochimilco en menos de la mitad de tiempo que hoy en dia 

Pues dichas localidades aun en 1929 no se reconocian como parte de la capital .

La Colección de Arte Cantú Y de Teresa 

Presente en la exposicion 2018 dedicada a la grafica de la Escuela Mexicana

La primera de estas Escuelas se fundó en 1913 en plena epoca de efervesencia politica . No obstante su importancia, y el creciente desarrollo de cedes como la de Churubusco, Santa Anita, Xochimilco , Tlalpan , Coyoacan . Taxco , Puebla etc. estas  Escuelas de Pintura al Aire Libre, fueron inpulsadas a inicios de los años veite por el Gobierno del Presidente Alvaro Obregon junto con su Secretario de Educacion Jose Vasconcelos que paralelamente inpulsara los primeros murales San Ildefonso, Secretaria de Educacion Publica ( solo por nombrar algunos) sin embargo el grupo comondado por Diego Rivera   descalifico a partrir de 1922 dichas esculas mismas que serian  omitidas a lo largo de tres decadas dentro de las publicaciones referentes a el Arte Mexicanosin embargo esta catedra incidió en la concepción del la nueva mexicanidad  pos revolucionaria.

. 

En buena medida  esta descalificación se debe a la lucha que entre los muralistas y los pintores de caballete se dio durante el desarrollo de la pintura mural, al grado de hacer referencia que la obra de caballete seria la antítesis de la labor muralista por crear una conciencia de masas en cuanto a el arte plástico nacional.

Pancho Díaz de León, hacia alusión al hecho en 1965, al montarse -en el Palacio de Bellas Artes- una muestra retrospectiva sobre la obra de las Escuelas, el artista comentó: “Los enemigos fueron implacables. Negaron que las Escuelas tuviesen principio, ni meta, ni finalidad pedagógica.” Por supuesto que Díaz de León estaba en lo correcto porque a pesar del interés de Ramos Martínez por acercar a los alumnos a el Impresionismo , también quedaba presente el sentido del paisaje Mexicano incluyendo pasajes costumbristas . 

En Santa Anita, cuya finalidad era desarrollar un arte libre, alejado de los preceptos académicos, poco a poco aparecieron cambios en la paleta de los alumnos. 

Este primer grupo de pintores jóvenes trabajaba  con modelos y libres de las enseñanzas conservadoras, donde prebalecia el manejo del género del paisaje con tintes impresionistas .

 Siqueiros, alumno de Santa Anita, legó el cuadro Campesinos, que, bajo este nuevo enfoque plástico –similar al de  Canoasy Peregrinos-,  testimonia la adecuación e interés que el artista tuvo para plasmar esta obra trabajada al pastel.

           

       Fernando Leal, otro de los futuros muralistas, con Retrato de mi hermana, recreó una obra en la que, mediante el uso de pinceladas cortas y tonos arbitrarios, remite a los retratos del pseudo-impresionismo que la Escuela de Barbizón  favoreció. 

Para decirlo de otra manera , sin las Escuelas al Aire Libre , no podríamos hablar del Taller de la Grafica Popular , La Escuela de la Esmeralda , La Escuela Mexicana de Pintura y Escultura , La Escuela de las Artes del Libro etc.

Ahora bien es sabido que para algunos muralistas como Diego Rivera , Siqueiros  y Orozco  tratarían de negar la clara influencia que tendría Francia en nuestra cultura 

Sabiendo de antemano que ellos abrevaron de ella en su obra.

Ramos Martínez al frente de la Academia lo primero que hizo fue fundar otra Escuela de Pintura al Aire Libre ubicada ahora, en una vieja casona en el barrio de Chimalistac. 

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Federico Cantú

Federico Cantú 1907-1989

buril placa de cobre

Colección CYDT

Moisés rompiendo las Tablas de la Ley es una grafica de 1944
La obra está firmada y fechada "1944” y se representa a Moisés con las tablas de la ley por encima de su cabeza, con los mandamientos 
Después de recibir los Diez Mandamientos, Moisés bajó del Monte Sinaí y se encontró al pueblo de Israel adorando un becerro de oro, por lo que el profeta arrojó las tablas enojado con ellos, Cantú dibuja a Moisés con cara de pena o resignación que de ira.
El relato se describe en el pasaje bíblico de Éxodo.

Melancolía :

La obra de Federico esta inmersa en la nostalgia y las vivencias

De una época que jamás volvería para ningún integrante de la reconocida

Escuela de Paris , esta fuerza alcanzada al lograr los tratados de paz de la primera gran guarra

Se nutrió de las mas diversas raíces y teorías del arte dando paso a un breve respiro 

Que en menos de dos décadas quedaría fragmentado con la aparición del Nazismo

Melancolía en la obra de Federico Cantú es solo un respiro de la nostálgica época 

Que pasara en Paris 1924-1934

Textos Adolfo Cantú

Colección Cantú Y de Teresa

FCG Copyright ©

Estampalaexposicion.blogspot.com

La inclinación religiosa de Federico Cantú surge dentro de su obra a partir de su estancia en el Paris de los años 20, bocetos en cuadernos de trabajo llevados primeramente a trabajos de caballete pronto se convierten en obras murales que acompañaran la narrativa del artista durante toda su trayectoria , quizá como bien lo expresaba el propio Cantú , su pincel esta poseído por la mano de Dios quien constantemente lo guía como fueron guiados todos los maestros del Renacimiento Italiano

junto a la tradición de la música angélica existe desde antiguo la de dotar a los pastores de rústicos instrumentos de viento para identificarlos como tales. Nico Staiti ha visto en esta música pastoril la visualización de la música humana, en ciertas ocasiones no exenta de
un carácter pecaminoso

Esta
proliferación de música angélica
en el contexto natalicio a partir
del siglo XIV
 la parte segunda de las Actas de Pilatos o Descensus Christi ad Inferos (s. V). Se trata de la entrada triunfante de Cristo en el limbo y la consiguiente liberación de las almas que, encabezadas por Adán 

“De nuevo dijo Bartolomé: ‘También vi a los ángeles que subían delante de Adán y cantaban himnos’” (Evangelio de Bartolomé 1, 23) 

A pesar de que el episodio del descenso de Cristo al limbo y la liberación de las almas fue abundantemente representado en la cultura bizantina 

El tipo iconográfico de la ascensión con ángeles músicos conoce su mayor di- fusión hacia finales del siglo XV y durante el siglo XVI en la península itálica 

Probablemente, una de las primeras —si no la primera— imágenes de la dormición que incluyen la figura del ángel ya claramente representado como músico sea el fresco de La Muerte de la Virgen de Giovanni y Pietro da Rimini para la Iglesia de Santa Maria in Porto Fuori de Rávena (primer tercio del s. XIV), donde la figura de Cristo acogiendo el alma de su madre queda flanqueada por ángeles instrumentistas y personajes masculinos barbados —probablemente profetas— con libros abiertos que parecen interpretar música vocal. 

No obstante, puede ser que la coronación de la Virgen sea la imagen de la narración evangélica que con mayor frecuencia incluye la figura del ángel músico y en la obra de Cantú no deja de ser una constante

Y es asi como dentro de la iconografía de Cantú la música toma un papel de suma importancia, porque de alguna manera nos permite revelar no solo el pensamiento bíblico que cultiva a diario el artista, sino que también promueve su gusto por la música barroca incluyendo la obra de Bach, Händel , Vivaldi en fin  , dígase  de paso para quien tuvimos la fortuna de visitarlo en su atelier  en horas de trabajo, la música estaba previamente programada desde temprana hora y solo se detenía con el receso de algún trabajo 

En 1928 Cantú se instalaba en Los Ángeles California con la idea de tener un receso de lo vivido en Paris y para preparar una serie de exposiciones , muy pronto ahí surge la oportunidad de pintar lo que seria su primera obra mural en la parroquia de Pasadena California, donde estará descrita en una serie de paneles parte de la pasión acompañada de ángeles músicos .

en el invierno de 1941 surge otra obra mural por encargo y esta vez incluye la figura de un ángel cargando su instrumento y en la contraparte otro ángel tocando el violín

En 1entre 1943 - 1945  trabaja dos ideas creativas en torno a los ángeles músicos , una de las versiones monumentales esta pensada en función de la casa en Boston del Doctor MacKinley Helm y la otra pensada como obra al fresco en Pinacoteca Virreinal.

Alfredo Zalce y Leopoldo Méndez

Alfredo Zalce y Leopoldo Méndez



Alfredo Zalce Torres (12 January 1908 – 19 January 2003) was a Mexican artist and contemporary of Diego Rivera, David Siqueiros and other better-known muralists. He worked principally as a painter, sculptor, and engraver, also taught, and was involved in the foundation of a number of institutions of culture and education. He is perhaps best known for his mural painting, typically imbued with "fervent social criticism". He is acclaimed as the first artist to borrow the traditional material of coloured cement as the medium for a "modern work of art". Publicity-shy, he is said to have turned down Mexico's Premio Nacional de Ciencias y Artes before finally accepting it in 2001.Before his death, Sotheby's described him as "the most important living Mexican artist up to date".

Zalce nos ofrece en esta obra una trama de lo no concluido dentro de los lineamientos dictados por la Revolución Mexicana mismos que fueron impulsados por Vasconcelos dentro de su proyecto de la Maestra Rural , a 100 años esta figura seguirá pendiente

Maravillosas imágenes graficas dentro del proyecto que dedicara a 140 estampas el TGP

Y que hoy podemos admirar en esta exposición que si bien inicio con el proyecto de los de abajo

Hoy se extiende a las diferentes formas de expresión de toda una época de la grafica nacionalista 

Indudablemente no hay TGP sin la imagen lograda por Leopoldo Méndez reflejando la imaginaria de uno de los maestros legendario José Guadalupe Posada , que en su obra inmortalizo la trasformación del XIX a el XX 

Existe una intemporalidad de la imagen del bracero que a manera de jugarse un futuro cursa la frontera de manera clandestina en busca de un trabajo , de nuevo la idea lograda hace mas de cinco décadas sigue como una constante 

El Chamaco Covarrubias

Miguel Covarrubias was invited by the 1939-1940 Golden Gate International Exposition (GGIE) that was held on Treasure Island, "to create a mural set entitled Pageant of the Pacific to be the centerpiece of Pacific House, 'a center where the social, cultural and scientific interests of the countries in the Pacific Area could be shown to a large audience.' Covarrubias painted the six murals for GGIE in San Francisco with his assistant Antonio M. Ruiz. The set of murals featured oversized, "illustrated maps entitled: The Fauna and Flora of the Pacific, Peoples, Art and Culture, Economy, Native Dwellings, and Native Means of Transportation. These murals were immensely popular at the GGIE and were later exhibited at the American Museum of Natural History in New York. Upon returning to San Francisco, five of the murals were installed at the World Trade Club in the Ferry Building where they hung until 2001. The whereabouts of the sixth mural, Art and Culture, are unknown and has been the subject of great speculation

Miguel and Rosa married in 1930 and they took an extended honeymoon to Bali with the National Art Directors' Medal prize money where they immersed themselves in the local culture, language and customs. Miguel returned to Southeast Asia (Java, Bali, India, Vietnam) in 1933, as a Guggenheim Fellow with Rosa whose photography would become part of Miguel's book, Island of Bali. The book and particularly the marketing for months surrounding its release, contributed to the 1930s Bali craze in New York. He also spent time in China, where his work was very influential among artists in Shanghai.

Covarrubias’ style was highly influential in America, especially in the 1920s and 1930s, and his artwork and caricatures of influential politicians and artists were featured on the covers of The New Yorker and Vanity Fair
Covarrubias is also known for his analysis of the pre-Columbian art of Mesoamerica, particularly that of the Olmec culture, and his theory of Mexican cultural diffusion to the north, particularly to the Mississippian Native American Indian cultures. His analysis of iconography presented a strong case that the Olmec predated the Classic Era years before this was confirmed by archaeology. In his thesis of a final cultural battle between Olmecs and Maya he was encouraged by his friend, the Austrian Surrealist and ethnological philosopher Wolfgang Paalen, who even went so far to describe the conflict as one of ancient matriarchal culture with new patriarchal orientations in Maya culture with its dominant adoration of the male sun-god Kukulkan. Both Paalen and Covarrubias published their ideas in Paalen's magazine DYN. Covarrubias interest in anthropology went beyond the arts and beyond the Americas—Covarrubias lived in and wrote a thorough ethnography of the "Island of Bali". He shared his appreciation of foreign cultures with the world through his drawings, paintings, writings, and caricatures.

https://www.humanitiestexas.org/…/miguel-covarrubias-carica…

MIGUEL COVARRUBIAS (1904-1957) 
Girl Wearing a Sarong by the Ocean (also known as Balinesa con turbante rosa en la playa) 
signed 'Covarrubias' (lower right) gouache on paper 19ox13æin.(48x34cm.) Painted in 1937. 
$60,000–80,000 

LITERATURE: 
A. Williams and Y-C. Chong, Covarrubias in Bali, Singapore, Editions Didier Millet, 2006, p. 37 (illustrated in color as cover of Asia Magazine, April 1937). Asia Magazine, April 1937, cover (illustrated in color). 
Miguel Covarrubias’s fascination with Bali originated with his frst trip to
the Indonesian island in 1930. He traveled there from New York with his wife, the artist Rosa Rolando, on their honeymoon. Spending six months
on the island, the Mexican artist took extensive notes and made numerous sketches while Rolando took hundreds of documentary photographs of
Bali life and customs. During the long voyage home on an ocean liner, Covarrubias produced gouaches and oil paintings based on his sketches and his recollections.

Covarrubias exhibited thirty-two of these gouaches and oil paintings on Balinese themes at the Valentine Gallery in New York in an exhibition that opened on January 18, 1932. This series and exhibition represent a signifcant turning point in the artist’s career. Celebrated as a highly-regarded caricaturist during the 1920s in New York City—where he had moved in 1923 at the young age of nineteen—Covarrubias was known for his humorous 
and biting satires of the city’s social and political elite as well as for his so-called “negro drawings” and observations of Harlem social life. With the support of leading New Yorkers, Frank Crowninshield and Carl Van Vechten, Covarrubias had become a contributor to magazines for the social set such as Vanity Fair, Vogue, and the New Yorker. In addition to its shift in thematic focus, the 1932 Valentine exhibition represents a turn away from illustration and a move toward painting, on which he would increasingly focus his energies. His interest in Bali would also serve as the starting point for the production of ethnographic, pictorial travelogues. 
A Guggenheim Fellowship provided him with some of the funds to return
to Bali in 1933 in order to continue his investigations, specifcally for a book manuscript, which Alfred A. Knopf would eventually publish as Island of Bali in 1937. Covarrubias stayed on the island for a year. During his voyage home to New York, where he arrived in December 1934, he again completed several more paintings on Balinese themes. He also made signifcant progress on the book manuscript, which he had been planning since the frst trip. Life magazine and Vanity Fair reported on Covarrubias’s work on Bali, and he circulated Balinese imagery in various magazines: Vanity Fair (January 1935, and February 1936), Theatre Arts Monthly (August 1936), and Asia (April and June, 1937). The April 1937 issue of Asia featured Girl Wearing a Sarong
by the Ocean on its cover. These contributions inspired a “Balinese vogue” among fashionable New Yorkers as epitomized by the window displays at
the Fifth Avenue department store, Franklin Simon, which included fabric designs with Bali prints by the artist. Even before Island of Bali’s appearance in mid-November 1937, Knopf ordered a second printing to satisfy demand. 

Girl Wearing a Sarong by the Ocean depicts themes at the heart of Island
of Bali—bathing and the romanticized depiction of Bali’s inhabitants and
its landscape. In his exegesis on the customs of everyday life, Covarrubias expounds on the centrality of bathing in Balinese culture, yet his paintings are divorced from the pseudo-anthropological observations he put forth in his chronicles. Here Covarrubias focuses on creating cultural, racial, and sexualized types. Two dark-skinned Balinese women populate a desolate seashore against a deep blue sky. In the background, a fgure with protruding and perky breasts crosses the sand carrying a large bundle on her head while maintaining a graceful pose. Yet, Covarrubias concentrates on the bare- chested fgure in the foreground whose head is in profle view, emphasizing her racialized attributes. The artist takes particular delight in depicting her accoutrements: an abstracted ear plug, her decorative pink head wrap, the beige and green twisted belt at her waist, and the visually-enticing and graphic sarong, a print that may have started the whole Balinese fashion craze in New York. The colorful yet muted stippling efect used for the shore is set against the pattern of the sarong and a variety of minute brushstrokes provide textured contrasts to an otherwise fat and simple composition. 

The artist idealized Bali as a pristine and enchanted land that embodied a vision of social harmony and beauty. The gouache encapsulates the ways
in which Covarrubias was drawn to the exoticism of the “South Sea Island paradise.” As such, like the European traveler artists who came to Latin America in the nineteenth-century, Covarrubias reinvented his own form of a pictorial costumbrismo for the modern age.5 
Dr. Anna Indych-López, Associate Professor of Art History, The City College of New York and The Graduate Center, The City University of New York 
1 Adriana Williams, Covarrubias (Austin: University of Texas Press, 1994), 69. See also: Adriana Williams and Y-C. Chong, Covarrubias in Bali (Singapore: Didier Millet, 2005).
2 Williams, Covarrubias, 80 and 82. 
3 Selva Hernández, “A Marco Polo in New York,” in Covarrubias: Cuatro Miradas/Four Visions (Mexico, Editorial RM, 2005), 75. 4 Miguel Covarrubias, Island of Bali (New York: Alfred A. Knopf, 1973; originally published in 1937), 116-118. 
5 Terence Grieder, “The Divided World of Miguel Covarrubias,” Americas (Washington D.C.) vol. 23, no. 5, (May 1971): 24, cited in Williams, 84.

Bestiario Gabriel Fernández Ledesma

Gabriel Fernández Ledesma (May 30, 1900 - August 26, 1983) 
was a Mexican painter, printmaker, sculptor, graphic artist, writer and teacher. He began his career working with artist Roberto Montenegro then moved into publishing and education. His work was recognized with two Guggenheim Fellowships, the José Guadalupe Posada medal and membership in the Salón de la Plástica Mexicana.
Most of the rest of Fernández Ledesma’s career was related to publishing and education. In 1924, again with Montenegro, he illustrated an edifying book of Lecturas clásicas para niños and contributed to the El Maestro magazine and began a printing workshop to promote the development of engraving in Mexico In 1926, he started a magazine called Forma, sponsored by the government about fine arts in Mexico, remaining as its editor for several years. In the 1920s, he also worked as an illustrator for the weekly magazine El Universal Ilustrado. In 1935, he became head of the editorial offices at the Secretará de Educación Pública. Fernández Ledesma edited and published several books on Mexican popular art, including Juguetes Mexicanos, published in 1929. 

His relationship with art education began in 1925, as a drawing teacher with the Secretaría de Educación Pública and, then in 1926 at the Centro de Arte Popular. After rejecting the director’s position at one of the Escuelas de Pintura al Aire Libre, Fernández Ledesma, his brothers and Guillermo Ruiz decided to create the Escuela de Escultura y Talla Directo a school for sculpture and carving. The school challenged the idea of art for art’s sake, focusing on handcrafts and popular art, and teaching workers and children. In 1928, he was one of the founding member of the "¡30-30!" movement along with Fernando Leal and Ramón Alva de Canal. This group was noted for its hostility to academia, trying to change how art students were taught, and its conviction that art should have a social purpose above all else.

Fernández Ledesma also organized exhibition of Mexican art abroad. In 1929, he was sent to Spain, in charge of an exhibition of work from students at the Escuelas de Pintura al Aire Libre and the Centro de Arte Popular to the Ibero-American Exposition of 1929 in Seville . In 1940, he and Miguel Covarrubias prepared an exhibition called 20 Centuries of Mexican Art which was shown in New York.

Posada

La Revolución Mexicana Vista por José Guadalupe Posada

Edición 50 aniversario

1 Terribles crímenes de los asolapados           

  cincografía                            24x32

2  Campesino prisionero de los rurales        

  cincografía                            24x32

3   Los petateros           

  cincografía                            24x32

4   Macario Romero            

  cincografía                            24x32

5    La miseria                  

  cincografía                            24x32

6   Carestía del maíz                 

  cincografía                            24x32

7    El comercio                  

  cincografía                            24x32


 

8     El acaparador                     

cincografía                            24x32

9      Los lagartijos de plateros                     

cincografía                            24x32

Frida

Teresa del Conde solía apuntar

Frida a pesar de ella misma

Y no es para menos Frida Kahlo 1907-1954 trabajo gran parte de su obra quizá muy a pesar de ella misma , sus relaciones que si bien nunca fueron mas lejos que la necesidad creada por Diego Rivera , rebasaron por mucho las expectativas de todo interesado y sin ir mas lejos con excepción de la exposición que organizara Inés Amor para el tema de surrealismo en 1940 , antes de ello no tenemos antecedente alguno de una exposición de Frida en México , si bien en una de las cartas de relación extendidas por Federico Cantú en noviembre de 1938 , él relata “ estuve con los Tamayo y con Frida Rivera en un coctel , quede de verlos posteriomente pero ahora a causa de todo el trabajo que tengo en Nueva York ya les cancele”

Por la exposición en 1939 sabemos que Frida viajo al inicio de ese año para encontrase a Breton en Francia y también sabemos que Frida se negó a exponer su obra en Londres por no saber quien demonios era Peggy Guggenheim

En 2007 para conmemorar el 100 aniversario de su nacimiento se endita una serie surgida del diario de Frida titulada “Las apariencias engañan”  esta obra es parte de esta serie y se presenta dentro de la ultima exposición extramuros del Salón con cede en Mazatlán,

Colección Cantú Y de Teresa

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